Art Archive Artista em destaque: Lawrence W. Lee

Conheça o artista do arquivo de arte. Um verdadeiro original, mais conhecido por suas imagens xamânicas distintas, Lawrence pinta para os fãs da arte do sudoeste em seu estúdio no Arizona. Sua marca forte e instantaneamente reconhecível não é acidental. Este empresário experiente entende seu público e vai ao encontro de seus gostos. O trabalho de Lawrence reflete as cores e temas do sudoeste americano em toda a sua mística e magia. Essa abordagem inteligente e estratégica da arte permitiu que Lawrence ganhasse a vida apenas como artista desde 1979, vendendo milhões de dólares em pinturas.

Uma fonte inesgotável de conselhos de carreira artística inestimáveis, Lawrence compartilha como ele cria a arte que os compradores desejam, seja pesquisando cuidadosamente sua base de clientes ou evoluindo seu estilo à medida que o mercado muda.

Quer ver mais do trabalho de Lawrence W. Lee? Visita-o.

1. IMAGENS DE XAMÃES E IMAGENS DO SUDOESTE DA AMÉRICA EM SEUS TRABALHOS. DE ONDE VOCÊ SE INSPIRAÇÃO E COMO OS LUGARES EM QUE MOROU AFETAM O SEU ESTILO?

Eu vivi a maior parte da minha vida em Tucson, Arizona. Mudei-me para cá quando tinha 10 anos e fui para a faculdade na Northern Arizona University. Lá conheci um pouco da cultura Navajo e Hopi. Quando eu era estudante de pós-graduação, meu colega de quarto era um Hopi que nasceu em Second Mesa e ainda tinha esposa e filho. De vez em quando, ele e eu entrávamos em sua velha caminhonete e dirigíamos pelas planícies do norte do Arizona nas primeiras horas da manhã enevoadas pelos lugares mais mágicos. Sua esposa teve a gentileza de compartilhar comigo histórias da tradição Hopi, como a história da Mulher Aranha que ensinou as pessoas a tecer. Não sei se esse foi o motivo imediato do que estou fazendo, mas nunca esquecerei o sentimento que me invadiu enquanto dirigimos por esses trechos de estrada desértica com mesas roxas ao longe, como o primeiro tom dourado do sol. começou a invadir nosso entorno. A imagem é tão forte que ficou comigo por décadas.

Quando comecei a mostrar minha arte, desenhava imagens de pessoas. Eu achava que estava fazendo grandes coisas, mas as pessoas nas exposições de arte diziam: "Por que eu iria querer alguém que não conheço pendurado na minha parede?" Por mais que eu argumentasse, eu simplesmente não conseguia vender a pintura. Lembro-me - através da neblina de décadas - que estava na minha sala lamentando esse triste estado de coisas e olhando para uma foto de perfil de uma mulher que peguei de uma galeria. Eu estava no sudoeste, então decidi adicionar um pouco do sudoeste à foto. Coloquei a caneta em seu cabelo e levei a pintura de volta para a galeria. Vendido em uma semana. A lição desse incidente foi que obviamente - assim que acrescentei algo como índios americanos - a imagem se tornou desejável. Percebi que as pessoas que vêm para Tucson, seja visitando ou morando, têm muito a ver com a cultura indígena americana. Eu tive que tomar uma decisão agora que descobri que poderia transformar uma pintura indesejada em uma parte de uma cultura romantizada que as pessoas poderiam levar para casa. Tive que aceitar se queria seguir esse caminho ou não, e decidi que valia a pena. Adicionando penas, contas e colares de ossos, eu podia desenhar imagens das pessoas que eu queria desenhar, e parecia um preço pequeno a pagar. O equipamento melhorou as figuras que fiz e tornou-se parte integrante do meu pensamento sobre essas figuras, e não apenas um meio de aumentar a venalidade. Venho ganhando um bom dinheiro desde 1979 e vendi milhões de dólares em pinturas.

2. A MAIORIA DO SEU TRABALHO É UM BORRÃO ENTRE REALISMO E ABSTRACÇÃO. POR QUE MISTURA OS ELEMENTOS E COMO DESCOBRIU SEU ESTILO DIFERENTE?

Fui para a faculdade na década de 1960 e, na década de 1960, se você estava se preparando para um diploma de Bacharel em Belas Artes, esperava-se que fizesse um trabalho abstrato ou não objetivo. A obra figurativa era percebida como antiquária, não era moderna o suficiente. Tudo o que precisava ser dito sobre a figura humana já havia sido dito e não importava mais. Eu desenhei da vida como todo mundo, mas não fiz nenhum trabalho figurativo significativo porque seria ridicularizado na aula e não conseguiria meu diploma. Mas logo após a formatura, recebi uma comissão do bibliotecário-chefe da Northern Arizona University para fazer seis pinturas para uma nova biblioteca em construção. Eu tinha acabado de concluir meu Bacharelado em Artes e não precisava me preocupar em agradar o professor, então decidi fazer imagens figurativas vagamente baseadas no poema Kubla Khan de Coleridge.

Esse foi o começo, e acho que sempre tive uma natureza peculiar. Com o passar dos anos, as figuras ganharam vida própria. Estruturalmente, tornaram-se figuras anatomicamente impossíveis, que chamo de quase humanas. Recentemente, tive a oportunidade de ver algumas das coisas que fiz na faculdade e logo após a formatura. Fiquei surpreso ao ver pequenos círculos, bolhas, espirais, espirais e figuras neles que eram muito altas e tinham ombros muito estreitos ou muito largos. Eu não tinha ideia de que essas ideias estavam se infiltrando na minha mente artística todos esses anos atrás. Eu não sabia que estava cantando a mesma música todo esse tempo, apenas acrescentando novas palavras e novos versos.

3. O QUE É ÚNICO NO SEU ESPAÇO DE ESTÚDIO OU PROCESSO CRIATIVO?

Costuma-se dizer que a linha mais importante em um desenho é a primeira linha, porque todo o resto está conectado a ela. Eu uso um pequeno pedaço de carvão de videira. A videira não se transforma em cinzas, mas se transforma em um pedaço de carvão quando queimada, se não houver oxigênio suficiente para a combustão completa. Usei outros materiais, mas comecei a usar este na faculdade. Eu o uso para criar a primeira linha e até o final do desenho. Se alguém chegasse à noite e roubasse meu carvão da videira, eu não conseguiria pintar outro quadro. Esta é a ferramenta que eu conheço melhor. Quando você usa algo por décadas, torna-se uma extensão de si mesmo.

Quando as coisas mudam, como quando os fabricantes de tela mudam de fornecedor de algodão, ou quando esticam a tela de forma diferente ou usam um novo primer, demoro semanas para me adaptar e às vezes não consigo. Às vezes eu tenho que lixar ou adicionar mais camadas de gesso. Durante anos, usei o mesmo pincel, número e estilo para assinar meu nome em minhas pinturas. Era uma extensão da minha mão. Quando voltei a pintar depois da minha aposentadoria, não consegui mais encontrar esses pincéis. Já estou pintando há dois anos e ainda é difícil para mim escrever meu nome porque o pincel não é mais o mesmo. Me deixa louco. Eu também esboço - usando um pincel seco que deixa um pouco de e-color nos vales da trama. Isso é realmente esfregar, e quando você esfrega com uma escova, perde o significado. Ele se desgasta. Os pincéis que mais gosto são perfeitos para mim. Se eu tivesse que começar com escovas pontiagudas, não seria capaz de fazer o que faço.

4. VOCÊ SERVE A COMPRADORES DE ARTE RESIDENCIAIS E PÚBLICOS. COMO ISSO AFETOU SUA CARREIRA E COMO VOCÊ ENTROU NA ARTE PÚBLICA?

A separação entre público e privado no meu site é um design que decidi usar há alguns meses, apesar de corporações e negócios comprarem meu trabalho há anos. A IBM comprou seis de minhas peças em meados da década de 1970. Muitas corporações e locais públicos os compraram. Os compradores tiveram que ser muito corajosos porque minhas pinturas são intensas e conflituosas. Aprendi na faculdade que não se deve centralizar a composição nem usar preto. Mas eu tive que ignorar essas regras para poder fazer o que estava na minha cabeça - essas criaturas de confronto. Na década de 1970, quando minha carreira estava decolando, minha principal clientela eram os promotores imobiliários rebeldes, muito ricos e muito teimosos do Sudoeste. Eles muitas vezes compravam meus quadros e colocavam os mais fortes em sua mesa para aumentar seu poder e intimidar qualquer um que estivesse na frente da mesa. No início dos anos 1980, houve uma crise de poupança e crédito, como as crises bancárias que acabamos de vivenciar. As pessoas jogavam rápido e descuidadamente pelas regras. De repente, esses desenvolvedores multimilionários ficaram sem dinheiro e fugindo do Departamento de Justiça.

De repente, minhas vendas quase desapareceram. Mas eu sabia que o dinheiro não tinha ido a lugar nenhum: outra pessoa o tinha. E decidi que agora deveria estar nas mãos dos advogados dos desenvolvedores. Então eu pensei sobre o que os advogados querem em seus escritórios. Eles vão querer algo que olhe para um futuro brilhante e um grande acordo. Fiz o meu melhor para satisfazer meu desejo imaginário por parte dos advogados e reverti meus números. Eu os desenhei por trás. Eu poderia fazer isso porque todos os tipos de cerimônias indianas envolvem fantasias maravilhosas. Eles estavam claramente esperando por algo, e era para ser um futuro brilhante. Assim que fiz isso, minhas pinturas começaram a vender novamente. Depois de alguns anos e depois que um número suficiente de pessoas perguntou, consegui meus números de volta.

5. POR QUE VOCÊ COMEÇOU A PINTAR PAISAGENS E NATUREZA APÓS OS XAMÃS QUASE EXCLUSIVAMENTE PINTADOS?

Minhas pinturas são muito intensas e quase todas têm contato visual de confronto. Em muitos casos, as pessoas não acreditam que eles sejam adequados para espaços públicos, então pela primeira vez em 40 anos, estou fazendo paisagens novamente. Descobri partes de mim que tive que reprimir enquanto seguia uma carreira. Eu tenho que convencer as pessoas de que não há problema em amar Lawrence Lee, que não é um índio xamanista quase americano. Desde 1985 sou artista e membro do Mountain Oyster Club privado. Foi fundada em 1948 por um grupo de jovens jogadores de polo ricos que decidiram que precisavam ter seu próprio lugar. Eles adoravam a arte do sudoeste, especialmente a arte do cowboy. Eles começaram uma mostra de arte anual para arrecadar dinheiro, e se tornou tão bem sucedida que atraiu alguns dos melhores artistas e cowboys do Sudoeste. Se você não tivesse um emprego em MO, você não era nada.

Na década de 1980, a maioria dos membros fundadores partiu ou faleceu, e um cara estava decidindo quem assumiria o show. Você tinha que entrar na linha de visão desse cara para que ele pudesse ligar para você e ir ao seu estúdio. Neste ponto, ele tomará a decisão final. Eles têm um show anual que ainda é muito bom, mas principalmente trabalho de cowboy. Mas meu trabalho sempre foi muito grande e muito estranho. Eu nunca entendi por que ele decidiu me deixar entrar. Então este ano eu decidi fazer algumas coisas muito especiais para as pessoas que vão ao MoD todos os anos. Isso me fez pensar em botas e esporas. Eu tenho que aplicar minha habilidade artística a este assunto em particular. Em todas essas partes, tomo um subconjunto das formas maiores. Posso me concentrar na parte inferior da bota, no estribo ou na parte do esporão da sela porque acho que sim. Normalmente tento incorporar alguma dissonância cognitiva no meu trabalho, como uma bolha ou uma borboleta, e nunca sei o que virá a seguir. Entrar nesse campo foi uma decisão de negócios e nasceu da crença de que, no final da minha carreira, eu poderia pintar bons quadros que não fossem xamânicos.

6. SUA ARTE É COLETADA EM TODO O MUNDO EM LUGARES COMO JAPÃO, CHINA E TODA A EUROPA. QUE PASSOS VOCÊ TOMOU PARA VENDER ARTE FORA DOS EUA E OBTER RECONHECIMENTO INTERNACIONAL?

Em geral, não precisei dar um único passo fora de Tucson para fazer isso, porque este é um lugar para viajantes de todo o mundo por direito próprio. Arizona tem Monument Valley, o Grand Canyon e Old Pueblo. As pessoas vêm aqui de todo o mundo e querem levar um pouco de magia para casa, então minha arte é perfeita. Descubro por galerias ou amigos de amigos que um colecionador estrangeiro tem uma de minhas obras. Alguém dirá: “A propósito, esta galeria está enviando um de seus trabalhos para uma pessoa em Xangai”. Em grande medida, foi o que aconteceu. Fiz um show solo em Paris, mas mesmo assim foi porque uma estilista de Paris que estava de férias em Tucson entrou em contato comigo porque queria mostrar meu trabalho lá.

7. VOCÊ ESTEVE EM UM NÚMERO IMPRESSIONANTE DE GRANDES EXPOSIÇÕES. COMO SE PREPARA PARA ESTES EVENTOS E QUE CONSELHOS DÁ A OUTROS ARTISTAS?

Uma coisa que muitos artistas não entendem é que as pessoas geralmente querem comprar obras de arte que vão morar em suas casas com elas. Em áreas fora de Nova York, Los Angeles, Bruxelas, etc., se você estiver fazendo uma obra de arte de alto conceito que é uma declaração de involução humana representada por vermes de espuma emborrachados suspensos do teto acima de piscinas de bebês cheias de café adoçado artificialmente. , você provavelmente não encontrará alguém para comprá-lo para sua casa. Você deve entender que se você quer ganhar a vida fazendo esse tipo de coisa, você tem que se mudar para uma cidade que aceite esse tipo de arte. Meu conselho: olhe para sua arte como se você fosse um potencial comprador. Se você fizer isso, você será capaz de entender muito.

Anos atrás eu estava expondo em São Francisco e não consegui vender nada. Eu estava deprimido até que pensei sobre isso e fiz uma pesquisa completa. Descobri que na maioria das casas de pessoas que podiam comprar meu trabalho, as paredes eram pequenas demais para isso. Se eu morasse em São Francisco, saberia disso quase instintivamente. Se eu morasse em uma casa vitoriana de três andares perto da Union Square, que tipo de coisas eu gostaria de colocar nas minhas paredes? Em Tucson, a maioria das pessoas quer coisas com um toque do sudoeste em suas paredes, a menos que tenham nascido e crescido em Boston e queiram trazer seus veleiros. É importante conhecer os lugares onde moram seus potenciais compradores. Se você é um potencial comprador, o que gostaria de saber sobre o artista? Se você tiver dúvidas sobre um artista, seus potenciais compradores terão as mesmas perguntas sobre você. Em outras palavras, faça o possível para descobrir o que seus clientes em potencial desejam e tente dar a eles.

Quer organizar e expandir seu negócio de arte e obter mais conselhos sobre carreira artística? Inscreva-se gratuitamente