Art Archive Artista em destaque: Ann Kullough

Conheça o artista do arquivo de arte. Uma artista de naturezas-mortas e paisagens visualmente atraentes, Anne se esforça para ilustrar mais do que aparenta. Seu estilo dinâmico cativa os espectadores, fazendo-os olhar duas vezes para cenas e objetos comuns.

Essa paixão impulsiona seu trabalho e, por sua vez, alimenta sua distinta carreira docente e contas populares de mídia social. Desde a promoção de seus workshops no último minuto até a apresentação de suas técnicas, Ann mostra com maestria como o ensino e as mídias sociais complementam uma estratégia de negócios de arte.

Acreditando que o trabalho de venda é apenas o começo, ela compartilha suas dicas de marketing de mídia social e o que ensina aos alunos sobre como ser um artista fora da escola.

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1. NATUREZAS E PAISAGENS SÃO BÁSICAS EM SEUS TRABALHOS. O QUE O INSPIRA NESTES TEMAS E COMO VOCÊ FOI PARA FOCAR NELE?

Acho coisas visualmente interessantes que podem não ter significado visual. Eu olho para o mundo com uma visão abstrata. Eu trabalho da mesma forma, independentemente do tema. Como prefiro desenhar da vida do que de fotografias, muitas vezes escolho natureza morta como meu tema. Também uso a natureza morta como meio de ensinar aos meus alunos a importância da observação direta (trabalhar a partir da vida) como meio de desenvolver um olho treinado.

Eu olho para o que posso obter de cada item, não apenas o que é. Eu quero criar algo que seja bonito de se ver; algo espontâneo, animado, que faz o olho mexer muito. Quero que o espectador veja mais de uma vez. Quero que meu trabalho mostre mais do que é.

Eu desenho desde criança, estudei arte na faculdade e sempre olhei as coisas puramente do ponto de vista visual. Estou procurando formas interessantes, iluminação e qualquer coisa que me faça querer olhar para um objeto uma segunda vez. Isso é o que eu desenho. Eles podem não ser únicos ou necessariamente bonitos, mas tento mostrar o que vejo neles que os torna únicos para mim.

2. VOCÊ TRABALHA EM DIVERSOS MATERIAIS (AGUARELAS, BOCA, ACRÍLICO, ÓLEO, ETC.) QUE PERMITEM TORNAR A ARTE REALISTA E IMPRESSIONISTA. QUAIS FERRAMENTAS VOCÊ GOSTA DE USAR E PORQUÊ?

Gosto de todos os ambientes para diferentes aplicações e por diferentes razões. Eu amo aquarela quando se trata de expressão. Eu gosto de acertar o assunto e depois usar cores, texturas e traços para levá-lo ao próximo nível.

A aguarela é tão imprevisível e tão fluida. Eu gosto de olhar para isso como uma série de reações enquanto registro cada golpe. Ao contrário da maioria dos aquarelistas, eu não desenho meu assunto a lápis primeiro. Movo a tinta para criar as imagens que quero. Também não uso a técnica de aquarela, pinto com pincel - às vezes em um único tom, às vezes em cores. Trata-se de desenhar o assunto no papel, mas ao mesmo tempo prestar atenção ao que o meio está fazendo.

Como você aplica tinta em tela ou papel é tão importante, se não mais importante, do que o assunto. Eu acho que o artista deve começar com uma grande estrutura em termos de desenho e composição geral, mas eles precisam trazer mais para a mesa e mostrar ao espectador como perceber o objeto.

O que torna algo único, o que faz você querer olhar para ele, é intangível. É mais sobre o gesto e o momento do que os pequenos detalhes minuciosos. Esta é toda a ideia de espontaneidade, luz e vibração que quero infundir no meu trabalho.

3. COMO VOCÊ DESCREVERIA SEUS MÉTODOS COMO ARTISTA? VOCÊ PREFERE TRABALHAR NO ESTÚDIO OU ESTAR FORA?

Eu prefiro sempre trabalhar da vida sempre que possível. Se eu estiver dentro, colocarei uma natureza morta. Eu absolutamente desenho naturezas-mortas da vida, porque você vê mais. Isso é mais difícil e treina o olho para ver o que você está olhando. Quanto mais você extrair da vida, mais profundidade você alcançará e se tornará um desenhista melhor.

Gosto de trabalhar no local sempre que possível porque gosto de trabalhar ao ar livre. Se estou dentro de casa, costumo esboçar minha peça com base em pesquisas feitas no local, combinadas com algumas fotografias bem rápidas. Mas confio mais na pesquisa do que nas fotografias - as fotografias são apenas um ponto de partida. Eles são planos e não faz sentido estar lá. Eu não posso estar lá quando estou trabalhando em uma peça grande, mas eu desenho no meu caderno - adoro desenhos em aquarela - e os levo para o meu estúdio.

Desenhar da vida é muito importante, principalmente para quem está começando a desenhar. Se você desenha há muito tempo, tem experiência suficiente para tirar uma foto e transformá-la em algo mais. Um artista iniciante vai para uma cópia. Não aprovo trabalhar com fotografias e acho que os artistas deveriam retirar a palavra "copiar" do seu vocabulário. As fotos são apenas um ponto de partida.

4. O QUE RESPOSTAS MEMORÁVEIS VOCÊ TEM SEU TRABALHO?

Muitas vezes ouço as pessoas dizerem: "Uau, isso é tão vivo, tão brilhante, tem uma energia real". As pessoas dizem sobre minhas paisagens urbanas: "Eu poderia entrar direto na foto". Essas respostas me deixam muito feliz. Isso é realmente o que eu quero dizer com o meu trabalho.

As tramas são muito vivas e cheias de energia - o espectador deve querer explorá-las. Não quero que meu trabalho pareça estático, não quero que pareça uma fotografia. Eu quero ouvir que há "muito movimento" nisso. Se você se afastar dele, ele forma uma imagem. Se você olhar de perto, é uma mistura de cores. Quando você tem os valores e a cor nos lugares certos, é aí que a mágica acontece. Pintura é isso.

Você precisará preparar um bloco de notas e um lápis para essas dicas de arte inteligente (ou botões de favoritos).

5. VOCÊ TEM UM GRANDE BLOG, MAIS DE 1,000 INSCRITOS NO INSTAGRAM E MAIS DE 3,500 FÃS NO FACEBOOK. O QUE INFLUENCIA SUAS POSTAGENS DE TODA SEMANA E COMO AS REDES SOCIAIS AJUDARAM SEU NEGÓCIO DE ARTE?

Eu não separo meu ensino do meu negócio de arte. Eu vejo isso como parte integrante do que eu faço. Recebo parte da minha renda com cursos e master classes, a outra parte com pinturas. Essa combinação compõe meu negócio de arte. Eu uso as mídias sociais para aumentar a conscientização sobre meu trabalho, apresentar as pessoas a ele e alcançar alunos em potencial.

Quando preciso de mais uma ou duas pessoas para concluir meus workshops, posto no Facebook. Eu costumo envolver as pessoas porque eu posto sobre os assuntos ensinados na aula. Também tenho pessoas que são potenciais colecionadores que vêm aos shows, então direciono minhas postagens para minha região e as pessoas vêm. Atrai pessoas que não conheço para mostrar na minha área e definitivamente ajuda a divulgar meu trabalho.

Eu tenho tantos posts nas redes sociais porque toda vez que faço uma demo, eu posto. Dá a outros artistas e futuros alunos uma ideia do que ensino, como abordo os assuntos e quanto trabalho é preciso para se tornar um mestre.

Muitos iniciantes mal podem esperar para chegar ao nível em que sabem o que estão fazendo. Eles perguntam quando estarão prontos para a exposição na galeria. É preciso muito tempo e esforço constante para criar um corpo de trabalho antes de considerar exposições em galerias. Eu aprecio quanto trabalho e esforço é realmente necessário.

Também posto conteúdo educacional para outros artistas que estão tentando levá-lo ao próximo nível. Isso os aponta na direção certa e desperta seu interesse em trabalhar comigo em uma aula futura.

Eu mantenho minhas postagens de blog autênticas e positivas - isso é muito importante para mim. Há muitas coisas que não são importantes para artistas iniciantes, então quero fornecer a esses artistas o básico.

6. VOCÊ É PROFESSOR DO CENTRO DE BELAS ARTES DE NOVA JERSEY, DO MUSEU DE ARTE DE HUNTERDON E DO CENTRO DE ARTES CONTEMPORÂNEAS. COMO ISSO SE AJUSTA AO SEU NEGÓCIO DE ARTE?

Eu sempre faço demonstrações e considero o ensino como parte do meu negócio de arte. Alguns dos meus melhores desenhos são de demonstrações quando dou aulas para alunos.

Eu amo demonstrar. Estou interessado em fornecer aos alunos conjuntos de habilidades que eles podem usar por conta própria. Você tira mais proveito das aulas quando o foco está no aprendizado, e não no tempo individual no estúdio.

Eu uso meu próprio trabalho como exemplos. Eu levo os alunos em uma viagem comigo. Começo cada aula com uma demonstração. Sempre tenho um conceito que destaco em uma demonstração, como cores complementares, perspectiva ou composição.

Eu também faço muitos workshops ao ar livre, então combino o workshop com alguns dias de pintura. Este verão estou ensinando pastéis e aquarelas em Aspen. Usarei a pesquisa quando voltar para projetos maiores.

Eu posso falar e desenhar ao mesmo tempo, isso realmente não me confunde. Acho que algumas pessoas têm problemas com isso. É importante que sua demonstração faça sentido. Fale sobre isso e mantenha-o em sua mente para manter o foco. Certifique-se de que este é um ponto muito importante no que você está fazendo. Obviamente, se eu estiver trabalhando em uma comissão, não farei isso em sala de aula. Fiz algumas das peças grandes na aula e fiz peças pequenas para vender. Se você vai ensinar, você deve ser capaz de fazê-lo. Os alunos que estudam arte são aprendizes visuais.

7. QUAL É A SUA FILOSOFIA COMO PROFESSOR E LIÇÃO NÚMERO UM QUE VOCÊ QUER QUE SEUS ALUNOS MEMORIZEM?

Seja autêntico. Não tente ser ninguém além de você mesmo. Se você tem algo que é forte, aproveite ao máximo. Se houver áreas em que você é fraco, resolva-as. Inscreva-se para uma aula de desenho ou oficina de mistura de cores. Reconheça o fato de que você precisa lutar contra suas fraquezas e fazer o melhor que puder com elas.

Mantenha-se fiel ao que te excita. Eu amo desenhar e amo pintura abstrata, mas não me vejo me tornando um artista abstrato puro porque amo desenhar demais. Essa é uma parte importante para mim como artista.

Não decida o que você desenhará de forma mais realista para aumentar as vendas se não for isso que você deseja. Desenhe o que te impulsiona e te excita mais. Qualquer coisa menos do que isso não é o seu melhor trabalho.

Trabalhe em suas fraquezas e construa seus pontos fortes. Vá atrás do que você realmente se importa e tenha sucesso nisso. Não mude para agradar o mercado porque você nunca pode agradar a todos. Por isso não faço muitos pedidos. Eu não quero desenhar uma imagem de outra pessoa e colocar meu nome nela. Se você não está interessado em desenhar algo, não o faça. Melhor se afastar dele do que arriscar arruinar sua reputação como artista.

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