Artistas Americanos. 7 mestres que surpreenderam o mundo

Os artistas americanos são muito diversos. Alguém era um cosmopolita claro, como Sargent. Ele é americano de origem, mas viveu em Londres e Paris por quase toda a sua vida adulta.

Há também americanos autênticos entre eles, que retrataram a vida apenas de seus compatriotas, como Rockwell.

E há artistas de outro mundo, como Pollock. Ou aqueles cuja arte se tornou um produto da sociedade de consumo. Isso, é claro, é sobre Warhol.

No entanto, eles são todos americanos. Amante da liberdade, ousado, brilhante. Leia cerca de sete deles abaixo.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler dificilmente pode ser chamado de americano de verdade. Crescendo, ele viveu na Europa. E ele passou sua infância ... na Rússia. Seu pai construiu uma ferrovia em São Petersburgo.

Foi lá que o menino James se apaixonou pela arte, visitando o Hermitage e Peterhof graças às conexões de seu pai (na época ainda eram palácios fechados ao público).

Por que Whistler é famoso? Seja qual for o estilo que pinte, do realismo ao tonalismo*, ele pode ser reconhecido quase imediatamente por dois traços. Cores incomuns e nomes musicais.

Alguns de seus retratos são imitações de velhos mestres. Como, por exemplo, seu famoso retrato "A Mãe do Artista".

O artista criou um trabalho incrível usando cores que variam do cinza claro ao cinza escuro. E alguns amarelos.

Mas isso não significa que Whistler gostasse dessas cores. Ele era uma pessoa extraordinária. Ele poderia facilmente aparecer na sociedade em meias amarelas e com um guarda-chuva brilhante. E é quando os homens se vestem exclusivamente de preto e cinza.

Ele também tem trabalhos muito mais leves que "Mãe". Por exemplo, Sinfonia em Branco. Assim, a foto foi chamada por um dos jornalistas da exposição. Whistler gostou da ideia. Desde então, chamou quase todas as suas obras de forma musical.

Mas então, em 1862, o público não gostou da Sinfonia. Novamente, por causa dos esquemas de cores idiossincráticos de Whistler. Parecia estranho para as pessoas escrever uma mulher de branco em um fundo branco.

Na foto vemos a amante ruiva de Whistler. Bem no espírito dos pré-rafaelitas. Afinal, então o artista era amigo de um dos principais iniciadores do pré-rafaelismo, Gabriel Rossetti. Beleza, lírios, elementos incomuns (pele de lobo). Tudo está como deveria estar.

Mas Whistler rapidamente se afastou do pré-rafaelismo. Já que não era a beleza externa que era importante para ele, mas o humor e as emoções. E ele criou uma nova direção - tonalismo.

Suas paisagens noturnas no estilo do tonalismo realmente parecem música. Monocromático, viscoso.

O próprio Whistler disse que os nomes musicais ajudam a focar na pintura em si, nas linhas e na cor. Ao mesmo tempo, sem pensar no lugar e nas pessoas que são retratadas.

Tonalismo, bem como próximo a ele impressionismo, em meados do século XIX, o público também não se impressionou. Muito longe do realismo popular na época.

Mas Whistler terá tempo para esperar pelo reconhecimento. Até o final de sua vida, seu trabalho será comprado de bom grado.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt nasceu em uma família rica. Ela poderia viver uma vida despreocupada. Casar e ter filhos. Mas ela escolheu um caminho diferente. Tendo dado a si mesmo um voto de celibato por causa da pintura.

Ela era amiga de Edgar Degas. Recebi na quarta-feira impressionistas, para sempre levado por esta direção. E sua “Girl in a Blue Armchair” é a primeira obra impressionista que o público viu.

Mas ninguém gostou muito da foto. No século 19, as crianças eram retratadas como anjos obedientemente sentados, com cachos encaracolados e bochechas rosadas. E aqui está uma criança que está claramente entediada, sentada em uma posição muito relaxada.

Mas foi Mary Cassatt, que nunca teve seus próprios filhos, que foi quase a primeira a retratá-los tão naturais quanto são.

Para aquela época, Cassatt tinha uma "falha" séria. Ela era uma mulher. Ela não podia se dar ao luxo de ir sozinha ao parque para pintar da natureza. Especialmente para ir a um café onde outros artistas se reuniam. Todos os homens! O que restou para ela?

Escreva festas de chá monótonas para mulheres em salas de estar com lareiras de mármore e jogos de chá caros. A vida é medida e infinitamente chata.

Mary Cassatt não esperou pelo reconhecimento. No início, ela foi rejeitada por seu impressionismo e pinturas supostamente inacabadas. Então, já no século 20, estava nitidamente “desatualizado”, já que o Art Nouveau estava na moda (Klimt) e o fauvismo (Matisse).

Mas ela permaneceu fiel ao seu estilo até o fim. Impressionismo. Pastel macio. Mães com filhos.

Por causa da pintura, Cassatt abandonou a maternidade. Mas sua feminilidade se manifestava cada vez mais precisamente em obras tão delicadas como Sleeping Child. É uma pena que uma sociedade conservadora uma vez a tenha colocado diante de tal escolha.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent tinha certeza de que seria um retratista por toda a vida. A carreira estava indo bem. Aristocratas fizeram fila para ordená-lo.

Mas uma vez que o artista cruzou a linha na opinião da sociedade. Agora é difícil para nós entender o que é tão inaceitável no filme "Madame X".

É verdade que na versão original, a heroína teve um dos bralettes omitido. Sargent a "criou", mas isso não ajudou no caso. As encomendas não deram em nada.

Que obsceno viu o público? E o fato de Sargent ter retratado a modelo em uma pose superconfiante. Além disso, a pele translúcida e a orelha rosa são muito eloquentes.

A foto, por assim dizer, diz que essa mulher com sexualidade aumentada não é avessa a aceitar o namoro de outros homens. Além disso, ser casado.

Infelizmente, por trás desse escândalo, os contemporâneos não viram a obra-prima. Vestido escuro, pele clara, pose dinâmica - uma combinação simples que só pode ser encontrada pelos mestres mais talentosos.

Mas não há mal sem bem. Sargent recebeu a liberdade em troca. Ele começou a experimentar mais com o impressionismo. Escreva crianças em situações imediatas. Assim surgiu a obra “Cravo, Lírio, Lírio, Rosa”.

Sargent queria capturar um momento específico do crepúsculo. Então eu só trabalhava 2 minutos por dia quando a iluminação estava certa. Trabalhava no verão e no outono. E quando as flores murcharam, ele as substituiu por artificiais.

Nas últimas décadas, Sargent se aprofundou tanto no gosto da liberdade que começou a abandonar completamente os retratos. Embora sua reputação já tenha sido restaurada. Ele até rejeitou rudemente um cliente, dizendo que pintaria seu portão com muito prazer do que seu rosto.

Os contemporâneos trataram Sargent com ironia. Considerando-o obsoleto na era do modernismo. Mas o tempo colocou tudo em seu lugar.

Agora, seu trabalho não vale menos do que o trabalho dos modernistas mais famosos. Bem, muito menos o amor do público e não dizer nada. Exposições com seu trabalho estão sempre esgotadas.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

É difícil imaginar um artista mais popular durante sua vida do que Norman Rockwell. Várias gerações de americanos cresceram com suas ilustrações. Amando-os com todo o meu coração.

Afinal, Rockwell retratou americanos comuns. Mas ao mesmo tempo mostrando suas vidas pelo lado mais positivo. Rockwell não queria mostrar nem pais maus nem mães indiferentes. E você não encontrará crianças infelizes com ele.

Suas obras são cheias de humor, cores suculentas e expressões habilmente capturadas da vida.

Mas é uma ilusão que o trabalho foi dado a Rockwell facilmente. Para criar uma pintura, ele primeiro tirava até cem fotografias com seus modelos para capturar os gestos certos.

O trabalho de Rockwell teve um tremendo impacto nas mentes de milhões de americanos. Afinal, ele muitas vezes falava com a ajuda de suas pinturas.

Durante a Segunda Guerra Mundial, ele decidiu mostrar pelo que os soldados de seu país estavam lutando. Tendo criado, entre outras coisas, a pintura "Freedom from Want". Na forma de Ação de Graças, em que todos os membros da família, bem alimentados e satisfeitos, aproveitam as férias em família.

Depois de 50 anos no Saturday Evening Post, Rockwell mudou-se para a revista Look, mais democrática, onde pôde expressar suas posições sobre questões sociais.

O trabalho mais brilhante desses anos é “The Problem We Live With”.

Esta é a verdadeira história de uma menina negra que foi para uma escola branca. Desde que uma lei foi aprovada, as pessoas (e, portanto, as instituições educacionais) não deveriam mais ser divididas em linhas raciais.

Mas a raiva dos habitantes não tinha limites. No caminho para a escola, a menina foi vigiada pela polícia. Aqui está um momento tão "rotineiro" e mostrou Rockwell.

Se você quiser conhecer a vida dos americanos sob uma luz levemente embelezada (como eles mesmos queriam ver), não deixe de ver as pinturas de Rockwell.

Talvez, de todos os pintores apresentados neste artigo, Rockwell seja o artista mais americano.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Ao contrário de Rockwell, Wyeth não foi tão positivo. Um recluso por natureza, ele não procurou embelezar nada. Pelo contrário, ele retratou as paisagens mais comuns e coisas banais. Apenas um campo de trigo, apenas uma casa de madeira. Mas ele até conseguiu espiar algo mágico neles.

Sua obra mais famosa é Christina's World. Wyeth mostrou o destino de uma mulher, sua vizinha. Paralisada desde a infância, ela engatinhava pela área ao redor de sua fazenda.

Portanto, não há nada romântico nesta foto, como pode parecer à primeira vista. Se você olhar de perto, a mulher tem uma magreza dolorosa. E sabendo que as pernas da heroína estão paralisadas, você entende com tristeza o quanto ela ainda está longe de casa.

À primeira vista, Wyeth escreveu o mais mundano. Aqui está a velha janela da velha casa. Uma cortina surrada que já começou a se transformar em farrapos. Do lado de fora da janela escurece a floresta.

Mas há algum mistério em tudo isso. Algum outro olhar.

Assim, as crianças são capazes de olhar o mundo com um olhar sem pestanejar. Assim como Wyatt. E nós estamos com ele.

Todos os assuntos de Wyeth eram tratados por sua esposa. Ela era uma boa organizadora. Foi ela quem entrou em contato com museus e colecionadores.

Havia pouco romance em seu relacionamento. A música tinha que aparecer. E ela se tornou uma Helga simples, mas com uma aparência extraordinária. É o que vemos em muitas obras.

Parece que vemos apenas uma imagem fotográfica de uma mulher. Mas, por alguma razão, é difícil romper com isso. Seus olhos são muito complexos, seus ombros tensos. Nós, por assim dizer, estamos nos esforçando internamente com ela. Lutando para encontrar uma explicação para essa tensão.

Retratando a realidade em cada detalhe, Wyeth magicamente a dotou de emoções que não podem deixar indiferentes.

O artista não foi reconhecido por um longo tempo. Com seu realismo, ainda que mágico, não se enquadrava nas tendências modernistas do século XX.

Quando os funcionários do museu compravam suas obras, tentavam fazê-lo discretamente, sem chamar a atenção. Exposições raramente eram organizadas. Mas, para inveja dos modernistas, eles sempre foram um sucesso retumbante. As pessoas vieram em massa. E ainda vêm.

Leia sobre o artista com o artigo Mundo de Cristina. Obra-prima de Andrew Wyeth."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock é impossível de ignorar. Ele cruzou uma certa linha na arte, após a qual a pintura não poderia ser a mesma. Ele mostrou que na arte, em geral, você pode fazer sem limites. Quando eu coloquei a tela no chão e salpiquei com tinta.

E esse artista americano começou com o abstracionismo, no qual o figurativo ainda pode ser traçado. Em seu trabalho da década de 40 "Shorthand Figure" vemos os contornos tanto do rosto quanto das mãos. E mesmo compreensíveis para nós símbolos na forma de cruzes e zeros.

Seu trabalho foi elogiado, mas eles não tinham pressa em comprar. Ele era tão pobre quanto um rato de igreja. E bebeu sem vergonha. Apesar de um casamento feliz. Sua esposa admirava seu talento e fazia de tudo para o sucesso do marido.

Mas Pollock era originalmente uma personalidade quebrada. Desde sua juventude, ficou claro por suas ações que a morte precoce era seu destino.

Esse quebrantamento, como resultado, o levará à morte aos 44 anos. Mas ele terá tempo para fazer uma revolução na arte e se tornar famoso.

E ele fez isso em um período de dois anos de sobriedade. Ele foi capaz de trabalhar frutíferamente em 1950-1952. Ele experimentou por um longo tempo até chegar à técnica de gotejamento.

Estendendo uma enorme tela no chão de seu galpão, ele caminhou ao redor dela, estando, por assim dizer, na própria imagem. E pulverizado ou apenas derramou tinta.

Essas pinturas incomuns começaram a ser compradas dele de bom grado por sua incrível originalidade e novidade.

Pollock ficou atordoado com a fama e caiu em depressão, sem entender para onde ir a seguir. A mistura mortal de álcool e depressão não lhe deixou nenhuma chance de sobrevivência. Uma vez ele ficou ao volante muito bêbado. Última vez.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Somente em um país com tal culto ao consumo, como na América, pôde nascer a pop art. E seu principal iniciador foi, claro, Andy Warhol.

Ele ficou famoso por pegar as coisas mais comuns e transformá-las em uma obra de arte. Foi o que aconteceu com a lata de sopa de Campbell.

A escolha não foi acidental. A mãe de Warhol alimentou seu filho com esta sopa todos os dias por mais de 20 anos. Mesmo quando ele se mudou para Nova York e levou sua mãe com ele.

Após esse experimento, Warhol se interessou pela serigrafia. Desde então, ele tirou fotos de estrelas pop e as pintou em cores diferentes.

Foi assim que sua famosa Marilyn Monroe pintada apareceu.

Uma miríade dessas cores ácidas de Marilyn foi produzida. Art Warhol colocado em operação. Como esperado em uma sociedade de consumo.

Rostos pintados foram inventados por Warhol por um motivo. E novamente, não sem a influência da mãe. Quando criança, durante uma doença prolongada de seu filho, ela arrastou para ele pacotes de livros para colorir.

Esse hobby de infância se transformou em algo que se tornou seu cartão de visitas e o tornou fabulosamente rico.

Ele pintou não apenas estrelas pop, mas também as obras-primas de seus antecessores. Entendi e "Vênus" Botticelli.

Vênus, como Marilyn, fez muito. A exclusividade de uma obra de arte é "apagada" por Warhol a pó. Por que o artista fez isso?

Para popularizar antigas obras-primas? Ou, pelo contrário, tentar desvalorizá-los? Para imortalizar estrelas pop? Ou apimentar a morte com ironia?

Suas obras pintadas de Madonna, Elvis Presley ou Lenin às vezes são mais reconhecíveis do que as fotos originais.

Mas é improvável que as obras-primas sejam ofuscadas. Mesmo assim, a "Vênus" primordial permanece inestimável.

Warhol era um ávido festeiro, atraindo muitos párias. Viciados em drogas, atores fracassados ​​ou apenas personalidades desequilibradas. Um dos quais uma vez atirou nele.

Warhol sobreviveu. Mas 20 anos depois, devido às consequências de um ferimento que sofreu, ele morreu sozinho em seu apartamento.

caldeirão americano

Apesar da curta história da arte americana, a gama é ampla. Entre os artistas americanos, há impressionistas (Sargent), realistas mágicos (Wyeth), expressionistas abstratos (Pollock) e pioneiros da arte pop (Warhol).

Bem, os americanos adoram a liberdade de escolha em tudo. Centenas de denominações. Centenas de nações. Centenas de direções de arte. É por isso que ele é o caldeirão dos Estados Unidos da América.

*Tonalismo - paisagens monocromáticas de tons de cinza, azul ou marrom, quando a imagem é como se estivesse em um nevoeiro. O tonalismo é considerado um desdobramento do impressionismo, pois transmite a impressão do artista sobre o que viu.

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